„Ich bin kein politischer Komponist; ich wähle wunderbare Geschichten für meine Opern aus.“

▲ Im Bild der Komponist mit dem Geiger Augustin Hadelich. Foto von Jair Cabrera Torres

▲ John Adams nach einer Probe in der Nezahualcóyotl-Halle der UNAM. Foto von Jair Cabrera Torres

Juan Arturo Brennan

Zeitung La Jornada, Samstag, 23. August 2025, S. 2

Es scheint einen breiten Konsens zu geben, den niemand bestreitet, dass John Adams (Worcester, Massachusetts, 1947) der bedeutendste aktive amerikanische Komponist der Gegenwart ist. Sein umfangreiches, vielfältiges und bedeutendes Werk, seine Arbeit als Dirigent, seine Öffentlichkeitsarbeit, Förderung und Ausbildung sowie seine Schriften formen das Profil eines facettenreichen Schöpfers, eines Renaissance-Menschen mitten in der Moderne. Adams ist als Gastdirigent des Minería Symphony Orchestra in Mexiko, um Augustin Hadelich in seinem Violinkonzert zu dirigieren; davor ein bisschen Sibelius ( Die Rückkehr von Lemminkäinen ) und dann viel Strawinsky (die vollständige Fassung von Der Feuervogel ). Nach der Probe gab es im Foyer des Nezahualcóyotl-Saals der UNAM eine kurze, aber ausführliche Diskussion mit dem nächsten Tenor.

– Glauben Sie, dass von den vielen Etiketten, die Ihnen angeheftet wurden, das postmoderne am besten zu Ihnen passt?

– Als ich diesen Begriff zum ersten Mal hörte, wusste ich nicht, was er bedeutet. Ich habe ihn also nachgeschlagen und konnte mir keinen Reim darauf machen, weil jede Definition anders war und es immer noch ist. Ich glaube also nicht, dass er etwas bedeutet. Ich glaube, er hat nur dann eine Bedeutung, wenn wir ihn als etwas betrachten, das nach der Moderne kommt. Wenn wir uns auf das Wesen der Moderne konzentrieren, denke ich, dass es sich um eine extreme Beschäftigung mit dem strukturellen Zusammenbruch der Methode handelt, mit den Elementen der Musik umzugehen, sei es John Cages zufällige Anordnung von Klängen oder der Serialismus; das nenne ich Modernismus. Und all das war in den 1950er und 1960er Jahren in Mode, und ich bin damit aufgewachsen, mit dem Bedürfnis, mir ein Urteil darüber zu bilden. Wenn man also „Post“ sagt, weiß man zumindest, dass es das nicht ist.

– Sie sind in erster Linie Komponist und Regisseur, aber auch eine wichtige Figur im Theater. Wie sind Sie dazu gekommen und woher kommen Sie?

– Ich bin sicher, ich habe es von meiner Mutter geerbt. Sie war eine sehr talentierte Amateursängerin und Schauspielerin. Wir lebten in einer relativ kleinen Stadt; sie sang in allen Amateurproduktionen von Broadway-Musicals, und ich sang mit ihr; wir sangen zusammen in South Pacific. Ich glaube, ich habe dieses Gen geerbt, und das ist interessant, denn im College inszenierte ich mehrere studentische Opernproduktionen, und dann interessierte ich mich zwanzig Jahre lang nicht im Geringsten dafür, bis ich eines Tages Peter Sellars traf, einen großartigen Bühnenregisseur. Er hatte ein Streicherstück von mir gehört und fand, dass ich der ideale Komponist für eine Zusammenarbeit war. Meine erste Zusammenarbeit mit ihm war meine Oper Nixon in China, und obwohl ich sechs oder sieben weitere geschrieben habe, ist es immer noch meine beliebteste Oper.

Hinweis: Eine weitere wichtige Figur der modernen Szene, die eng mit John Adams verbunden ist, ist der bekannte dänische Choreograf Peter Martins, der zahlreiche Partituren des Komponisten in Ballette umgesetzt hat.

– Bleiben wir beim Thema Oper … da sind Puccinis „ Die Mädchen aus dem goldenen Westen“ und Barbers „Antonius und Cleopatra“ . Sie haben „Die Mädchen aus dem goldenen Westen“ und Ihre eigene Version von „Antonius und Cleopatra“ geschrieben. Haben Sie schon einmal eine Idee, welche Verbindungen es geben könnte?

Ein „böser Junge“

– Ich war schon immer ein ziemlicher Bad Boy, seit ich vor vielen Jahren „Große Musik für selbstspielendes Klavier“ komponierte, und ich habe etwas von Mark Twain in mir. Im Fall von „Girls of the Golden West“ fanden Peter Sellars und ich Puccinis Version des Wilden Westens, des Goldrauschs , zu sehr romantisiert, und wir wollten eine viel wahrheitsgetreuere Vision bieten. Das bedeutete, viel über Rassismus, Frauenfeindlichkeit und Gier zu sprechen – all die Dinge, die Donald Trump aus unserer Geschichte zu verdrängen versucht, um jegliche Informationen darüber zu verhindern. In unserer Oper stammen alle Texte aus Originalquellen, und gleichzeitig ist es eine sehr unterhaltsame Oper, weil ich all diese Goldrausch- Lieder für meine eigene Musik adaptiert habe, und sie sind sehr witzig. Was „Antonius und Cleopatra“ betrifft, so hat die bedeutende San Francisco Opera zu ihrem hundertjährigen Jubiläum eine neue Oper bei mir in Auftrag gegeben. In „Girls of the Golden West“ habe ich einige Szenen aus Macbeth eingebaut, weil sich herausstellte, dass die Leute während des Goldrauschs gerne Shakespeare rezitierten. „Antonius und Kleopatra“ ist eine Shakespeare-Tragödie, die ich liebe, weil sie von erwachsenen Liebenden handelt – nicht von Romeo und Julia, sondern von älteren Menschen mit einer komplizierten Vergangenheit. Sie streiten sich ständig, ein bisschen wie in „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“. Es ist auch ein Stück über den Niedergang einer großen Zivilisation, Ägypten, und den Aufstieg einer anderen, Rom. Ich denke, das ist heute sehr relevant, denn unser Land befindet sich im Niedergang, im schweren Niedergang, und gleichzeitig erlebt China einen Aufschwung.

▲ John Adams thematisiert in seinen Opern Rassismus, Frauenfeindlichkeit und Gier. Foto: Jair Cabrera Torres

– Und heute ist China nicht das China Maos und die Vereinigten Staaten auch nicht das China Nixons, sodass Ihre Oper eine neue Relevanz erlangen wird.

–Das hoffe ich, ja.

– Um auf die Themen Rassismus, Frauenfeindlichkeit und Gier in Girls of the Golden West zurückzukommen … Ihre Opern behandeln hochbrisante mythische, politische und soziale Themen, brisant, ja sogar explosiv und alle sehr aktuell: Das Kind, Das Evangelium nach der anderen Maria, Nixon in China , Der Tod von Klinghoffer und Doctor Atomic . Halten Sie sich für einen stark politisierten Komponisten?

Sicherlich nicht; ich sehe mich nicht als politischen Komponisten. Ich wähle diese Themen, weil ich sie für wunderbare Geschichten halte und weil ich glaube, dass das Publikum sich damit identifizieren kann. Sicherlich kann das amerikanische Publikum mit den Themen Mao und Nixon mitfühlen, ebenso mit „Der Tod Klinghoffers“, in dem es um Terrorismus mit religiöser Komponente geht und alles mit den aktuellen Ereignissen in Gaza zusammenhängt. Die Oper bringt all das zum Ausdruck, und „Doctor Atomic“ handelt vom Atomkrieg. Das sind alles Geschichten und Themen, die ich für den künstlerischen Ausdruck geeignet halte.

Kehren wir noch einmal zum Wesen musikalischer Sprache und Stils zurück. Seit Jahrzehnten fühlen sich große Zuhörer weltweit von Musik mit repetitiven Strukturen und Elementen stark angezogen. Gibt es dazu Theorien?

– Natürlich! Denn was der zeitgenössischen Musik seit Schönberg passiert ist, ist, dass sie ihren Puls, ihr harmonisches Zentrum und den Sinn der Phrase verloren hat. Wenn man nicht gerade ein anderer Komponist ist, der im gleichen Stil schreibt, ist es, als würde man jemandem zuhören, der eine fremde Sprache spricht, die man nicht versteht. Ich glaube, die Essenz des musikalischen Erlebnisses ist der Puls, denn er ist der Herzschlag, der Atem, der Gang, der Rhythmus der Sonne, und was die Tonalität betrifft, so ist sie eine grundlegende menschliche Erfahrung. Ich denke, die Minimalisten, Steve Reich und Philip Glass, haben etwas Historisches geschaffen, indem sie all das aufgegriffen und gleichzeitig frisch klingen ließen.

– Die von Ihnen gegründete Konzertreihe „Neue und ungewöhnliche Musik“ war sehr erfolgreich, aber auch umstritten. Was war ihr Kern?

– Das war mit dem San Francisco Symphony Orchestra, und es war ungewöhnlich, weil es ein klassisches Orchester war, das hauptsächlich Beethoven und ähnliches spielte. Plötzlich gaben wir Konzerte in einer Bar, einem Möbelhaus, einem Revuetheater, und es wurde viel experimentelle Musik gemacht. Einige Musiker liebten es, aber genauso viele hassten es. Dann machte ich dasselbe mit dem Los Angeles Philharmonic Orchestra in einer Reihe namens „Green Umbrella“ weiter – fragen Sie mich nicht, warum – und es ist die erfolgreichste zeitgenössische Musikreihe der Welt; plötzlich kamen tausend Besucher, um beliebige Musik zu hören.

–Was ist die Pacific Harmony Foundation?

– Es handelt sich um eine Stiftung, die meine Frau und ich gegründet haben, um vor allem die Musikausbildung zu finanzieren, mit einem Schwerpunkt auf schwarzen Jugendlichen und Kindern. Orchester würden gerne mehr schwarze Musiker haben, und das Problem ist, dass Kinder keine angemessene Ausbildung erhalten. Deshalb unterstützen wir Orte wie Oakland und Richmond in Kalifornien, die überwiegend von Schwarzen bewohnt werden, und spenden auch an einige Musikfestivals.

– Abschließend möchte ich sagen, dass ich die meisten Ihrer Werktitel sehr einfallsreich und beschwörend finde. Ihre Memoiren tragen den Titel „Hallelujah Junction“ , was auch der Titel eines 1996 entstandenen Stücks für zwei Klaviere ist, das auf einen kleinen Rastplatz am Highway 49 an der Grenze zwischen Nevada und Kalifornien anspielt. Gibt es in der Übereinstimmung der Titel eine symbolische Verbindung?

–Keine. Ich finde einfach, dass es ein toller Titel ist.

– Touché , auf Wiedersehen und Danke.

▲ Im Bild der Komponist mit dem Geiger Augustin Hadelich. Foto von Jair Cabrera Torres

▲ John Adams nach einer Probe in der Nezahualcóyotl-Halle der UNAM. Foto von Jair Cabrera Torres

Juan Arturo Brennan

Zeitung La Jornada, Samstag, 23. August 2025, S. 2

Es scheint einen breiten Konsens zu geben, den niemand bestreitet, dass John Adams (Worcester, Massachusetts, 1947) der bedeutendste aktive amerikanische Komponist der Gegenwart ist. Sein umfangreiches, vielfältiges und bedeutendes Werk, seine Arbeit als Dirigent, seine Öffentlichkeitsarbeit, Förderung und Ausbildung sowie seine Schriften formen das Profil eines facettenreichen Schöpfers, eines Renaissance-Menschen mitten in der Moderne. Adams ist als Gastdirigent des Minería Symphony Orchestra in Mexiko, um Augustin Hadelich in seinem Violinkonzert zu dirigieren; davor ein bisschen Sibelius ( Die Rückkehr von Lemminkäinen ) und dann viel Strawinsky (die vollständige Fassung von Der Feuervogel ). Nach der Probe gab es im Foyer des Nezahualcóyotl-Saals der UNAM eine kurze, aber ausführliche Diskussion mit dem nächsten Tenor.

– Glauben Sie, dass von den vielen Etiketten, die Ihnen angeheftet wurden, das postmoderne am besten zu Ihnen passt?

– Als ich diesen Begriff zum ersten Mal hörte, wusste ich nicht, was er bedeutet. Ich habe ihn also nachgeschlagen und konnte mir keinen Reim darauf machen, weil jede Definition anders war und es immer noch ist. Ich glaube also nicht, dass er etwas bedeutet. Ich glaube, er hat nur dann eine Bedeutung, wenn wir ihn als etwas betrachten, das nach der Moderne kommt. Wenn wir uns auf das Wesen der Moderne konzentrieren, denke ich, dass es sich um eine extreme Beschäftigung mit dem strukturellen Zusammenbruch der Methode handelt, mit den Elementen der Musik umzugehen, sei es John Cages zufällige Anordnung von Klängen oder der Serialismus; das nenne ich Modernismus. Und all das war in den 1950er und 1960er Jahren in Mode, und ich bin damit aufgewachsen, mit dem Bedürfnis, mir ein Urteil darüber zu bilden. Wenn man also „Post“ sagt, weiß man zumindest, dass es das nicht ist.

– Sie sind in erster Linie Komponist und Regisseur, aber auch eine wichtige Figur im Theater. Wie sind Sie dazu gekommen und woher kommen Sie?

– Ich bin sicher, ich habe es von meiner Mutter geerbt. Sie war eine sehr talentierte Amateursängerin und Schauspielerin. Wir lebten in einer relativ kleinen Stadt; sie sang in allen Amateurproduktionen von Broadway-Musicals, und ich sang mit ihr; wir sangen zusammen in South Pacific. Ich glaube, ich habe dieses Gen geerbt, und das ist interessant, denn im College inszenierte ich mehrere studentische Opernproduktionen, und dann interessierte ich mich zwanzig Jahre lang nicht im Geringsten dafür, bis ich eines Tages Peter Sellars traf, einen großartigen Bühnenregisseur. Er hatte ein Streicherstück von mir gehört und fand, dass ich der ideale Komponist für eine Zusammenarbeit war. Meine erste Zusammenarbeit mit ihm war meine Oper Nixon in China, und obwohl ich sechs oder sieben weitere geschrieben habe, ist es immer noch meine beliebteste Oper.

Hinweis: Eine weitere wichtige Figur der modernen Szene, die eng mit John Adams verbunden ist, ist der bekannte dänische Choreograf Peter Martins, der zahlreiche Partituren des Komponisten in Ballette umgesetzt hat.

– Bleiben wir beim Thema Oper … da sind Puccinis „ Die Mädchen aus dem goldenen Westen“ und Barbers „Antonius und Cleopatra“ . Sie haben „Die Mädchen aus dem goldenen Westen“ und Ihre eigene Version von „Antonius und Cleopatra“ geschrieben. Haben Sie schon einmal eine Idee, welche Verbindungen es geben könnte?

Ein „böser Junge“

– Ich war schon immer ein ziemlicher Bad Boy, seit ich vor vielen Jahren „Große Musik für selbstspielendes Klavier“ komponierte, und ich habe etwas von Mark Twain in mir. Im Fall von „Girls of the Golden West“ fanden Peter Sellars und ich Puccinis Version des Wilden Westens, des Goldrauschs , zu sehr romantisiert, und wir wollten eine viel wahrheitsgetreuere Vision bieten. Das bedeutete, viel über Rassismus, Frauenfeindlichkeit und Gier zu sprechen – all die Dinge, die Donald Trump aus unserer Geschichte zu verdrängen versucht, um jegliche Informationen darüber zu verhindern. In unserer Oper stammen alle Texte aus Originalquellen, und gleichzeitig ist es eine sehr unterhaltsame Oper, weil ich all diese Goldrausch- Lieder für meine eigene Musik adaptiert habe, und sie sind sehr witzig. Was „Antonius und Cleopatra“ betrifft, so hat die bedeutende San Francisco Opera zu ihrem hundertjährigen Jubiläum eine neue Oper bei mir in Auftrag gegeben. In „Girls of the Golden West“ habe ich einige kurze Szenen aus „Macbeth“ eingebaut, weil die Leute während des Goldrauschs gerne Shakespeare rezitierten. „Antonius und Kleopatra“ ist eine Shakespeare-Tragödie, die ich liebe, weil sie von erwachsenen Liebenden handelt – nicht von Romeo und Julia, sondern von älteren Menschen mit einer komplizierten Vergangenheit. Sie streiten sich ständig, ein bisschen wie in „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“. Es ist auch ein Stück über den Niedergang einer großen Zivilisation, Ägypten, und den Aufstieg einer anderen, Rom. Ich denke, das ist heute sehr relevant, denn unser Land befindet sich im Niedergang, im schweren Niedergang, und gleichzeitig erlebt China einen Aufschwung.

▲ John Adams thematisiert in seinen Opern Rassismus, Frauenfeindlichkeit und Gier. Foto: Jair Cabrera Torres

– Und heute ist China nicht das China Maos und die Vereinigten Staaten auch nicht das China Nixons, sodass Ihre Oper eine neue Relevanz erlangen wird.

–Das hoffe ich, ja.

– Um auf die Themen Rassismus, Frauenfeindlichkeit und Gier in Girls of the Golden West zurückzukommen … Ihre Opern behandeln hochbrisante mythische, politische und soziale Themen, brisant, ja sogar explosiv und alle sehr aktuell: Das Kind, Das Evangelium nach der anderen Maria, Nixon in China , Der Tod von Klinghoffer und Doctor Atomic . Halten Sie sich für einen stark politisierten Komponisten?

Sicherlich nicht; ich sehe mich nicht als politischen Komponisten. Ich wähle diese Themen, weil ich sie für wunderbare Geschichten halte und weil ich glaube, dass das Publikum sich damit identifizieren kann. Sicherlich kann das amerikanische Publikum mit den Themen Mao und Nixon mitfühlen, ebenso mit „Der Tod Klinghoffers“, in dem es um Terrorismus mit religiöser Komponente geht und alles mit den aktuellen Ereignissen in Gaza zusammenhängt. Die Oper bringt all das zum Ausdruck, und „Doctor Atomic“ handelt vom Atomkrieg. Das sind alles Geschichten und Themen, die ich für den künstlerischen Ausdruck geeignet halte.

Kehren wir noch einmal zum Wesen musikalischer Sprache und Stils zurück. Seit Jahrzehnten fühlen sich große Zuhörer weltweit von Musik mit repetitiven Strukturen und Elementen stark angezogen. Gibt es dazu Theorien?

– Natürlich! Denn was der zeitgenössischen Musik seit Schönberg passiert ist, ist, dass sie ihren Puls, ihr harmonisches Zentrum und den Sinn der Phrase verloren hat. Wenn man nicht gerade ein anderer Komponist ist, der im gleichen Stil schreibt, ist es, als würde man jemandem zuhören, der eine fremde Sprache spricht, die man nicht versteht. Ich glaube, die Essenz des musikalischen Erlebnisses ist der Puls, denn er ist der Herzschlag, der Atem, der Gang, der Rhythmus der Sonne, und was die Tonalität betrifft, so ist sie eine grundlegende menschliche Erfahrung. Ich denke, die Minimalisten, Steve Reich und Philip Glass, haben etwas Historisches geschaffen, indem sie all das aufgegriffen und gleichzeitig frisch klingen ließen.

– Die von Ihnen gegründete Konzertreihe „Neue und ungewöhnliche Musik“ war sehr erfolgreich, aber auch umstritten. Was war ihr Kern?

– Das war mit dem San Francisco Symphony Orchestra, und es war ungewöhnlich, weil es ein klassisches Orchester war, das hauptsächlich Beethoven und ähnliches spielte. Plötzlich gaben wir Konzerte in einer Bar, einem Möbelhaus, einem Revuetheater, und es wurde viel experimentelle Musik gemacht. Einige Musiker liebten es, aber genauso viele hassten es. Dann machte ich dasselbe mit dem Los Angeles Philharmonic Orchestra in einer Reihe namens „Green Umbrella“ weiter – fragen Sie mich nicht, warum – und es ist die erfolgreichste zeitgenössische Musikreihe der Welt; plötzlich kamen tausend Besucher, um beliebige Musik zu hören.

–Was ist die Pacific Harmony Foundation?

– Es handelt sich um eine Stiftung, die meine Frau und ich gegründet haben, um vor allem die Musikausbildung zu finanzieren, mit einem Schwerpunkt auf schwarzen Jugendlichen und Kindern. Orchester würden gerne mehr schwarze Musiker haben, und das Problem ist, dass Kinder keine angemessene Ausbildung erhalten. Deshalb unterstützen wir Orte wie Oakland und Richmond in Kalifornien, die überwiegend von Schwarzen bewohnt werden, und spenden auch an einige Musikfestivals.

– Abschließend möchte ich sagen, dass ich die meisten Ihrer Werktitel sehr einfallsreich und beschwörend finde. Ihre Memoiren tragen den Titel „Hallelujah Junction“ , was auch der Titel eines 1996 entstandenen Stücks für zwei Klaviere ist, das auf einen kleinen Rastplatz am Highway 49 an der Grenze zwischen Nevada und Kalifornien anspielt. Gibt es in der Übereinstimmung der Titel eine symbolische Verbindung?

–Keine. Ich finde einfach, dass es ein toller Titel ist.

– Touché , auf Wiedersehen und Danke.